Номер 27 (1371), 28.07.2017

Продолжаем рассказывать о наиболее примечательных событиях 8-го Одесского международного кинофестиваля.

НЕТ СЦЕНАРИЯ? НЕ ПРОБЛЕМА!

Фильм "Уровень черного" украинского режиссера Валентина Васяновича участвует сразу в двух конкурсных программах - международной и национальной. Это рассказ о фотографе, который переживает кризис самоидентификации. В день своего пятидесятилетия он осознает, что провел жизнь, оставаясь только наблюдателем и фиксатором чужих достижений.

Перед началом показа перед зрителями выступили режиссер Валентин Васянович, актеры Константин Мохнач и Катя Молчанова. Постановщик заинтриговал зал, признавшись, что его фильм изначально не имел сценария.

- Этот фильм - полный эксперимент для меня, - сказал он. - Меня это заряжало, и хотелось постоянно идти искать кадры, моменты. Про что картина, я понял только в середине фильма.

А вот большинство из тех зрителей, которых нам удалось опросить, признались, что толком так и не поняли, "про что" фильм.

- Типичная украинская кинопродукция, - сказал 29-летний Евгений, - скукота выдается за "поэтическое кино".

Студентка Нина, в принципе, согласилась с этим мнением, отметив, однако, что некоторые сцены ей понравились, а "картинка местами очень красивая".

Между тем известный украинский кинокритик Сергей Васильев считает картину В. Васяновича "одним из важнейших фильмов украинской независимости". Режиссеру, по мнению опытного критика, "удалось согласовать художественные средства, материальные средства производства и использования всех объективных ограничений, которые существуют в условиях создания кино без полноценных производственных бюджетов. Он абсолютно максимизирует те небольшие средства, которые у него были, чтобы без слов, практически без музыки, силой визуальных образов рассказать простую и проникновенную жизненную историю человека, который переосмысливает свою жизнь. Фильм чем-то напоминает "Племя" Мирослава Слабошпицкого - лаконичными средствами, в фильме отсутствует слово, поэтому, возможно, в этом контексте эти ленты можно сравнивать. Валентин использует эти приемы, чтобы сделать очень интимное, проникновенное кино, не намерен шокировать, но проглядывает очень глубоко и точно внутренний мир человека".

В общем, сложилась стандартная ситуация: зрители и критики разошлись в оценках.

АКТЕРСТВО - ЭТО ДИАГНОЗ

Откровения актрисы Риммы Зюбиной, члена жюри международной конкурсной программы, обладательницы национальной кинопремии "Золотая дзига":

- Актерство - это диагноз. И, на мой взгляд, это хороший диагноз - заниматься кино и театром. Причем кино хотя бы оставляет после себя след. А вот театр - странная организация. За вечер мы можем охватить 200-300 человек. Возможно, представление зацепит одного человека в зале, в лучшем случае 10. Умирает театральный актер, который никогда не снимался в кино, - и все. Помнят его только зрители, которым он изменил жизнь. Мы строим замки из песка. Красивые и изысканные, но волна все смывает.

Кино - это курортный роман. Мы на небольшой период все встречаемся, нам всем приятно, мы все друг друга любим и потом расстаемся. А уж когда случаются встречи - мы как родные. А в театре не так. Ты приходишь юным, а выносят тебя только вперед ногами. Здесь мы проходим все стадии любви. От Ромео и Джульетты - влюбленности абсолютной - переходим к "Макбет", а заканчиваем как в том анекдоте: "Всю жизнь ненавидели друг друга, но не могли разойтись - ждали, пока дети умрут".

Сегодняшний актер не должен быть актером амплуа. Он должен быть гибким, пластилиновым, со множеством ящиков, которые открываются по необходимости. В кино гораздо мобильнее надо работать. Бывает, ты приходишь на площадку, ты себе что-то придумал дома, а уже все изменилось - кто-то за это время уже переписал текст.

Артхаус никогда не собирает кассу, а "Звездные войны" будут собирать. Мы можем спорить всю жизнь со зрителем, но они голосуют своим билетом и деньгами. Мы в чем-то виноваты в таких вкусах публики, но изменить это трудно.

Если у человека нет чувства юмора, надо пугаться. Девушки, никогда не выходите замуж за тех, у кого нет чувства юмора. Это страшные люди. В театре работа - это мгновение. В мире она не сделает погоды. Даже если я сегодня плохо сыграла. У меня был случай, когда в филармонии я забыла текст. Потом оказалось, что у меня был гипертонический криз, а я еще кофе выпила, чтобы в себя прийти. И сын мне воды в антракте приносит, я переживаю, а он мне и говорит: "Мама, никто не умер от того, что ты забыла текст". Поэтому только с юмором к этому можно относиться.

ЕСЛИ БЫ ВАН ГОГ - МОГ...

Фильм "С любовью, Винсент" вызвал ажиотаж уже тем, что в нем снялся Эйдан Тернер - самый популярный среди гостей фестиваля. Но были среди зрителей и те, кто шел смотреть фильм ради главного героя - знаменитого художника.

Вот что рассказала нам о своих впечатлениях одесская студентка Мария: "Творчеством Ван Гога я заинтересовалась в шесть лет, когда увидела по телевизору рекламу первого номера познавательного журнала, в котором обещали рассказать, почему художник отрезал себе ухо. Я читала биографию Ван Гога и ждала того самого момента про ухо. С тех пор Винсент Ван Гог стал моим любимым художником. Поэтому, когда объявили показ фильма "С любовью, Винсент", я поняла, что надо смотреть.

По сюжету фильма молодой человек Арман Рулен отправляется в путешествие, чтобы передать Тео Ван Гогу последнее письмо его брата. Но узнав, что вскоре умер и брат, Арман решает раскрыть подробности последних дней жизни Ван Гога. Сколько людей, столько и мнений - как хороших, так и плохих. Но к концу фильма выстраивается один образ великого художника, раскрывается душа одинокого, безумного гения, которому невозможно не посочувствовать.

Лента прекрасна своей лиричностью, сюжетом - где-то юмором, где-то трагизмом - и, конечно, техникой, полностью повторяющей технику художника. Первый кадр - знаменитый портрет доктора Гаше, второй кадр - и доктор оживает. На большом экране зрителям показали замечательную магию, и, несмотря на грустную историю судьбы Винсента Ван Гога, фильм заканчивается на положительной ноте, побуждая каждого смотрящего добиваться, пытаться, искать себя и быть настоящим".

Аншлаг, громкие овации и вдохновленные лица - живое доказательство успеха фильма "С любовью, Винсент". После сеанса многие женщины выходили из зала, вытирая слёзы. Знал бы это Ван Гог, который при жизни продал всего одну свою картину!

ВСТРЕЧА С "ЛИЦОМ" ФЕСТИВАЛЯ

В рамках Летней киношколы прошла творческая встреча с популярным актером Эйданом Тернером, который в этом году стал "лицом" ОМКФ, снявшись в рекламном ролике фестиваля.

34-летний ирландец стал известным в киномире благодаря участию в мелодрамах "Отчаянные романтики", "Тюдоры" и роли Кили в трех полнометражных картинах "Хоббит".

Его кинокарьера началась 10 лет назад, когда он исполнил роль итальянца Бедоли в историческом многосерийном проекте "Тюдоры". Затем Эйдан предстал в образе художника-бунтаря Данте Габриэля Россетти в картине "Отчаянные романтики".

В 2009 году Эйдан Тернер сыграл вампира Джона Митчелла в многосерийном комедийном фильме ужасов "Быть человеком". Съемочный процесс проходил в Бристоле, и три актера, исполняющих главные роли, жили по соседству. В интервью они признались, что не расставались и после насыщенного рабочего дня - обедали у Леноры Кричлоу, смотрели телевизор у Рассела Тови и слушали музыку в комнате Эйдана Тернера.

Эйдан - один из героев трех полнометражных картин режиссера Питера Джексона "Хоббит: Нежданное путешествие", "Хоббит: Пустошь Смога" и "Хоббит: Туда и обратно". Съемки прошли в Новой Зеландии, а коллегами Эйдана Тернера стали легендарные актеры Мартин Фримен, Кейт Бланшетт и Иэн МакКеллен.

"Мне просто повезло, - признался артист своим украинским поклонницам и поклонникам. - Я всегда любил кино, но никогда не рассматривал эту деятельность как основную. Выбор осуществился очень быстро: мне повезло попасть в хорошую драматическую школу, и этот снежный шар покатился. По сути, у меня никогда даже не было возможности заниматься чем-то другим".

"Я не думаю, что занимаюсь каким-то особенным делом, - считает Тернер. - Я верю в то, что работа - это работа. Мой папа - электрик, в нашей семье есть фермеры, таксисты, налоговики. Я всего лишь актер и не чувствую себя каким-то особенным".

По мнению артиста, по сравнению с прошлыми годами, Одесский кинофестиваль стал просто огромным. "Голос этого фестиваля стал более сильным, значимым и культурным. Для меня, как для иностранца, это нечто особенное, что остается со мной, когда я уезжаю и приезжаю сюда".

Участники встречи долго не отпускали самого популярного из гостей Одесского кинофеста. Особенно радовались женщины: когда еще выпадет возможность сфотографироваться с Кили из "Хоббита"!

"НЕБЫВАЛЫЙ ПОХОД" В 1931 ГОД

В "Зеленом театре Stella Artois" прошел показ немой киноленты режиссера-оператора Михаила Кауфмана "Небывалый поход", созданной в 1931 году.

Представляя ленту 86-летней давности, Иван Козленко, генеральный директор Национального центра Александра Довженко, подчеркнул, что "важно возвращать к жизни старые картины, чтоб они имели формотворческое влияние на современных режиссеров".

На современного зрителя картина производит двойственное впечатление.

"Типичная советская агитка, - считает 30-летний педагог Марина. - Авторы демонстрируют, что как только создался колхоз, так сразу потекли молочные реки в кисельных берегах. Но мы-то знаем, что уже в следующем году случился Голодомор, вызванный как раз коллективизацией и созданием колхозов".

У ровесника Марины Виктора (он представился киноманом) несколько иная точка зрения. Он не отрицает политической ангажированности картины, но предлагает в первую очередь обратить внимание на мастерство ее автора Михаила Кауфмана.

"Кауфман - родной брат и соратник гениального документалиста Дзиги Вертова, - подчеркивает Виктор, - и это влияние очень чувствуется. Профессионально картина сделана блестяще. Замечательные операторские съемки, потрясающее умение монтажа. Козленко прав в том смысле, что нынешней кинематографической молодежи надо учиться мастерству у таких мастеров, как Кауфман".

А вот что публика приняла безоговорочно, так это музыкальное сопровождение композитора Антона Байбакова. Ему и музыкантам его группы досталась львиная доля аплодисментов после демонстрации.

И МУЗЫКА, И ТИШИНА РАВНОЦЕННЫ

Откровения Евгения Гальперина, композитора, написавшего музыку к фильмам Люка Бессона, Андрея Звягинцева, Барри Зонненфельда и других мастеров экрана:

- Согласно легенде, идея использовать музыку в кино появилась еще у братьев Люмьер. В первом кинотеатре в Париже в фойе стояло фортепиано. Его использовали лишь для того, чтобы развлекать публику перед сеансом. В какой-то момент киномеханик попросил перенести пианино в зал, чтобы заглушить звук киноаппарата, который жутко громко работал. Так музыка попала в кино.

Музыка часто дает то, что режиссер не успевает рассказать за полтора часа фильма. Например, нам показывают героя, о котором мы ничего не знаем. Он с "глубоким" выражением лица гуляет. Но лицо мало что рассказывает. А музыка может дать практически весь бэкграунд. За три минуты музыка расскажет сильнее и полнее, чем любая картинка.

Когда в фильме будет звучать музыка, а когда тишина, равноценно важно. Тишина в кино - тоже серьезная часть работы. В коммерческом кино музыка почти всегда непрерывна. Она обязана вести зрителя и не отпустить его, чтобы он не отвлекся. Если герой плачет, то музыка должна подвести к этому, объяснить все. А в авторском кино режиссер сам может заставить зрителя смеяться и плакать, а музыка должна внести такое, чего ничем другим не внести. Я считаю, что после целого века истории кино мы просто обязаны обращать внимание на пропорции тишины и музыки.

Слишком мелодичные и яркие темы для кино сейчас не в тренде. Это чрезмерно лирично для нынешнего кино. Например, прекрасный Морриконе сейчас невозможен. В кино в наше время все намного динамичнее. Минимализм. Желательно на двух нотах.

Чтобы стать кинокомпозитором, безусловно, нужно учиться. Но совсем необязательно это делать в классических структурах. Сейчас самая интересная музыка в кино написана композиторами, которые пришли из поп-музыки. Ник Кейв, Крис Мартинес, Ван Геллис, Джонни Гринвуд. Потому что, к сожалению, классические кинокомпозиторы привыкли опираться на костыль картинки. Часто их музыка сама по себе не несет смысловой нагрузки. Как подстилка. Красивая и профессиональная, но безликая. А у музыкантов из поп-музыки она говорит сама за себя.

Для стилистики музыки важен и национальный колорит. Я работал с иранским легендарным режиссером Оскаром Фархади, дважды оскароносным. Нам было сложно. Столкновение двух разных культур - это неизбежно. Я понимал, что у него стилистика другая, восточная, но нам надо было подстроиться под европейскую публику, под французов, поскольку герои в нашей картине были европейцами. Он постоянно показывал мне примеры иранской музыки. Я ему объяснял, что это слишком романтично и плаксиво для европейцев. Но на следующий день он снова приносил мне похожие примеры. Прошло много времени, пока он смог отделить себя от нее.

Подготовили
Александр ГАЛЯС
и Мария ЧУМАКОВА.

Фото Леонида БЕНДЕРСКОГО.

Версия для печати

Предыдущая статья

Следующая статья